Mephisto ist ein Film von István Szabó aus dem Jahr 1981. Gezeigt wird das Leben des jungen Schauspielers Hendrik Höfgen. Der Film basiert auf dem gleichnamigen Roman von Klaus Mann, der bis zur Wiedervereinigung verboten war. Der junge Höfgen ist Schauspieler am Hamburger Theater. Der zweite Weltkrieg bricht aus und die Nazis kommen an die Macht. Höfgen ist der Meinung, dass Kunst mit Politik nichts zu tun hat und ihm als Künstler die Machthabenden nichts anhaben können. Eine Flucht ins Ausland kommt für ihn nicht in Frage. Er als Schauspieler, der auf die deutsche Sprache angewiesen ist, sieht seine Zukunft nur in Deutschland. Um überleben zu können arrangiert er sich mehr und mehr mit dem System und seinen ausführenden Organen. Der preußische Ministerpräsident sieht Höfgen in einer Mephistoaufführung und ist von seiner Darbietung begeistert. Der Minister wird der neue einflussreiche Gönner an Höfgens Seite. Mehr und mehr wird Höfgen abhängig vom System und ist zum Schluss nur noch eine Spielfigur. Auch als Intendant des Staatstheaters hat Höfgen kaum noch Einfluss auf das Theater und kreative Freiheit. Die Auswahl der Stücke und die Besetzungen der Rollen werden vorgeschrieben. Immer mehr kommt das Hauptmotiv des Films deutlich hervor. Der Film zeigt einen Menschen, der sich angesichts der Entwicklung in seinem Land vor Gewissensfragen gestellt sieht und sich dabei immer wieder zu der Idee zu retten versucht, dass seine Kunst abseits von aller Politik angesiedelt sei. Besonders beeindruckend ist die im Münchener Olympiastadion inszenierte Schlussszene. Scheinwerfer verfolgen Höfgen der davonläuft und verzweifelt ausruft: Was wollt ihr von mir? Ich bin doch nur ein Schauspieler! Er sieht sich noch immer unabhängig vom politischen Geschehen obwohl er schon längst ein Bündnis mit ihnen eingegangen ist. Absolut überzeugend spielt Klaus Maria Brandauer die Rolle des Hendrik Höfgen. Trotz einer Spielzeit von über zwei Stunden gibt es keine Stelle an der der Film sich zieht oder langatmig wird.

Hierbei handelt es sich um eine Internationale Begegnung mit Jugendlichen aus Ungarn, Estland, Deutschland und der Türkei! Die Jugendlichen aus den vier unterschiedlichen Nationen kamen für eine Woche zusammen um gemeinsam zu arbeiten. Es wurde viel diskutiert, geredet, gelacht aber auch hart gearbeitet. In verschiedenen Kleingruppen wurden Stücke geschrieben, geprobt, getanzt und gerapt. Der HipHop als kulturübergreifende Sprache stand hier im Vordergrund. Das Ergebnis der Kleingruppen und dem persönlichen Verständnis der Jugendlichen von ihrer Vision eines vereinten Europas konnte sich sehen lassen. Kleine Theaterstücke, Musik- und Tanzeinlagen sowie ein Kurzfilm und zeigten, dass sich die Jugendlichen intensiv mit dem Thema Europa auseinandergesetzt hatten. Ihre Forderungen an diesem Abend waren Recht auf Freiheit: Redefreiheit, Religionsfreiheit, eine Gleichberechtigung aller Menschen egal welcher Nation sie angehören, mehr Verständnis füreinander und mehr Toleranz. Moderiert und vorgetragen wurden die Beiträge souverän auf Englisch. Gute Stimmung der Jugendlichen im Kultopia Hagen und der Beifall der Zuschauer sorgten für weitere musikalische Zugaben.

Miriam Eid, 30.08.10

Vision of a Common Europe, 26.08.10, Hagen Kultopia,

Little Warsaw – kleines Warschau eine Ausstellung in Münster im Hafen. Klein aber fein. Gerade mal ein Raum mit neun Ausstellungswerken, die sich aber sehen lassen können. Untergebracht war die Ausstellung in einem alten Speicherhaus. Ein schönes altes Backsteinhaus, überhaupt hat mich der Hafen in Münster positiv überrascht. Viele kleine nette Cafés, Restaurants und Kultur. Hätte jemand den Wasserhahn zugedreht und den Dauerregen abgestellt wäre ich gerne noch länger geblieben. Zurück zur Ausstellung- András Gálik und Bálint Havas gehören als Little Warsaw zu den bekanntesten Künstlern ihrer Generation. In ihren Kunstwerken spiegelt sich die politische Situation ihres Landes, so werden ideologische Symbole und Referenzsysteme dekonstruiert und im Kontext der Kunst neu konstruiert. Im Fokus ihres künstlerischen Denkens steht dabei an erster Stelle die Analyse der gesellschaftlichen Veränderungen und den daraus resultierenden Bedeutungsverschiebungen. Zwei Ausstellungsstücke möchte ich hier erwähnen. Zum einen der Körper der Nofretete. Dieser wurde erschaffen für die 3.000 Jahre alte Büste aus dem Ägyptischen Museum Berlin. 2003 wurden Büste und Körper zusammengefügt, allerdings nur für dieses eine Mal. Der Körper ohne Kopf wurde zu einem Symbol für die Sehnsucht nach Ganzheit und Wiederbelebung. Jacques Derrida sagte einmal: Jedes Element ist ein Zeichen, das auf ein Abwesendes verweist. Das andere Ausstellungsstück heißt Marble Street. Hierbei handelt es sich um einen Gummiabdruck einer Hausfassade. Zum einen bringt es die Sehnsucht nach Tradition zum Ausdruck zum anderen ironisiert es das Traditionelle und erzeugt so eine unendliche Bedeutungsschleife.

Miriam Eid, 30.08.2010

Little Warsaw – 10.07.-05.09.2010, Ausstellungshalle zeitgenössische Kunst Münster, Speicher II,

Der Titel der im Düsseldorfer Hetjens-Museum gezeigten Ausstellung über die ungarische Keramikmanufaktur Zsolnay beschreibt die Schau ziemlich treffend. Vasen, Trinkgefäße, Kannen, Teller – so ziemlich alles Nützliche, dass aus Keramik hergestellt wird, gibt es hier zu sehen. Leider viel zu schön und filigran verarbeitet um sie als bloße Gebrauchsgegenstände zu «benutzen». Hinter Vitrinenglas, aufgebahrt auf goldenen Ständern – und somit Ton in Ton mit den Stücken selbst – sind diese tatsächlich viel besser aufgehoben.
Ton in Ton (ein Rohstoffwortspiel im Übrigen) mit den Schaukästen, weil die Keramiken oftmals mit orientalischen Blütendekors geschmückt sind und somit absolute Eleganz ausstrahlen. Dies alles wurde um die vorletzte Jahrhundertwende produziert, Experimente mit keramischen Werkstoffen folgten und glückten so gut, dass der in Pécs beheimatete Familienbetrieb weltberühmt wurde. Ein Wegweiser quasi in die Keramikverarbeitung der heutigen Zeit. – Zahlreiche Infotafeln erzählen die gesamte Geschichte dieser Erfolgsgeschichte.
Wer genug Information und Schönes, «Anorganisches» gesichtet hat kann sich zudem noch abschließend ins Gästebuch des Museums eintragen und dort eben auch blättern. Zu erkennen, dass den meisten Besuchern, wie auch mir die Ausstellung zugesagt hat. Düsseldorfer Glanz eben.
Wem das noch immer nicht ausreicht, kann am 8. September an der ungarisch-orientalischen Nacht teilnehmen, oder aber den Film zur Ausstellung «Ich denke oft an Piroshka» in der Black Box des Filmmuseums erleben. Infos hierüber gibt es auf www.duesseldorf.de/hetjens/ .
Die Ausstellung ist noch bis zum 12.September zu sehen.

Das «ZAKK» auf der Fichtenstraße, mehr oder weniger «unsere Kultlocation» in Flingern, war wieder einmal Ausrichter einer grandiosen SCENE:Ungarn –Veranstaltung. Gut so, und auch die zahlreichen Besucher wussten, worauf sie sich eingelassen hatten: Mitsoura, die Band um die ungarische Sängerin Mónika «Mitsou» Juhász Miczura, bekam von Beginn an frenetischen Beifall. Viele Gäste waren gekommen, auch aufgrund des besten Biergartenwetters in leichte, oftmals indisch angehauchte Tücher gewickelt und Röcke und Sarongs gekleidet. Verstärkt wurde der orientalische touch der Veranstaltung einerseits durch das farben- wie einfallsreiche VJing –Programm auf der Leinwand hinter den Akteuren, aber auch durch Maßnahmen wie das sehr gemütlich anmutende «Bett», auf dem der Trommler Péter Szalai kniete und sich nach Herzenslust seinen Schlaginstrumenten wie Tabla und Konnakol, sowie der afrikanischen Kalimba, dem «Daumenklavier», widmete.
Was hier gezeigt wurde, war nur begrenzt ungarisch, sehr viel mehr zigeunerisch und am allermeisten orientalisch. Was es auf jeden Fall war: Begeisternd! Kaum einen hielt es noch ruhig im Schneidersitz auf dem Boden – der kleine Saal des ZAKK brummte und tobte, und ich hoffte, den Radiohörern von «Europa» konnte die grandiose Stimmung hinreichend zugetragen werden. Unweigerlich musste man bei der Musik von «Mitsoura» an die des großen Hollywoodstreifens mit indischem Thema denken: Danny O´Boyles «Slumdog Millionaire». Allemal treibend ist die Musik von Mitsoura ebenfalls, allerdings noch rhythmischer, noch tanzbarer, wie ich mich auch später noch oft beim Hören der außerordentlich hochwertig produzierten CD «Dura Dura Dura» überzeugen durfte. Kaum wettzumachen war jedoch die Stimmung im Saal – wummernde beats des DJs bekamen durch den erwähnten Percussionisten eine vielfältige Klangfarbe: Disco meets Africa. Dazu das Cymbalon von Miklós Lukács und natürlich der musikalische Fundus von András Monori, welcher fließend von Saxophon zu sonst selten aufgeführten bulgarischen und indischen Instrumenten wie Kaval, Gadulka, Bansuri, Sitar und Shungi wechselte – Gypsy meets India. Und über allem schwebte Mitsous Stimme, sicher, tragend, sprachlich nur selten einzuordnen, und machte die Musik zur Weltmusik. Eine erotisierende Stimmung lag in der Luft, die nicht nur die Lust am Tanzen weckte. Fans indischer und orientalischer Musik kann ich das Œuvre von Mitsoura uneingeschränkt nahe legen. Wer sich allein von Mitsous Stimme und ihrer Gesangstechnik aus dem fernen Rajasthan schon betört fühlt, dem ist auch ihre ehemalige Gruppe «Ando Drom» zu empfehlen, bei der sie auch schon als Leadsängerin fungierte.

Die Hetzjagd innerstädtischer Verkehrsbetriebe konträr zur Langsamkeit der Weichenstellung mancherorts dort draußen auf diesem 180 km langen Weg nach Bielefeld. Umsteigen in Hamm, der Stadt des Glaselefanten. Aufenthalt. Wieder ein überfüllter Zug. Taxi. Gerade noch rechtzeitig am Theater, lasse mich einschleusen. Lange Gänge. Eine hohe Tribüne. Ein Sitz mit der Beschriftung «Kulturamt». Let the show begin, «Theaterlabor im Tor 6″!
Es werden Reden gehalten, die Dozenten vorgestellt. Man darf nicht vergessen, es handelt sich nicht nur um einen Programmpunkt der Scene:Ungarn, sondern auch um die Eröffnungsfeier der 20. «Bielefelder Tanztage». Eine Dame wird auf die Bühne geholt, sie hat in wirklich jedem Jahr Tanzkurse belegt. Heute ist sie Ehrengast.
Nach diesen schönen Gesten geht es los. Das «Budapest Dance Theatre» tritt auf und verzaubert uns mit dem 20-Minüter «Flabbergast», zu deutsch «verwundern». Und vom ersten Augenblick an ist das Publikum in der Tat gefesselt an die Choreographien der elf Darbieter. Es ist eine Mischung aus Tanz verschiedenster Stile und Schauspielerei. Männer mit Koffern rennen in der ersten Szene quer über die Bühne. Ein Spektakel bahnt sich an. Immer wieder Paartänze, jedoch außergewöhnlich durchchoreographiert, aggressiv, hocherotisch, eröffnen vielerlei verschiedene mögliche Verknüpfungen. Geht es um Gesellschaft? Gruppenbildung? Partnerfindung? Sex? Die Rolle des Mannes und der Frau? Soziale Geschlechtsidentität? Dem Betrachter sind kaum interpretatorische Grenzen gesetzt. Eines ist es aber ganz sicher: Unglaublich unterhaltsam! Die Anfangsszene lässt mich an die Eröffnungszeremonie der Scene:Ungarn im Dortmunder Schauspielhaus denken, in der es Szenen gab, in der die Darsteller des «Hungarian State Folk Ensemble» in ihrer Vorstellung «Labyrinth» teils ebenso gespenstisch agierten, mit der Körpersprache jener Zombies aus «Silent Hill» etwa. Was jedoch danach kommt, lässt sich schwer einer bestimmten Tanzrichtung zuordnen, auch nicht im zweiten Stück, «Choreographer Confessions», nach 20-minütiger Pause dargeboten. Es ist alles und nichts. Es ist unverkennbar modern, Tango und Ballett. Es sind Hip-Hop-, Breakdance-, Capoeira- Momente. Es ist Latin, Salsa, Samba, Foxtrott. Es ist alles das. Doch alles davon ist plötzlich unerheblich, die ganzen Geschehnisse die angedeutet werden, belanglos. Es ist alles nichts und alles ist alles – dass ich das mal sagen würde…
Besonders gut abgestimmt sind die Geräuschmusikelemente in «Choreographer Confessions» und der Tanz: Stimmfetzen über einem Stakkato -beat, rhythmisch, a-rhythmisch, überbordend mit der Wucht einer landenden Boeing; Melodiefragmente und die Verdichtung jener Stimmen zu ganzen Sätzen, lyrisch, politisch, postmodern, eine Szenerie aus der nahen Zukunft beschreibend, in der «die Luft so dicht geworden ist, dass sie sich auf einen niederdrückt». Das alles auf vier Sprachen und so perfekt abgestimmt auf die Bewegungsschemata der Tänzer, die Ausbrüche ihrer Gelenke, dass ich mich fast fragen muss, was zuerst da war: Der Tanz oder die Musik.
Wo ich es hingegen genau weiß und mich bereits wie ein kleines Kind vor der Bescherung darauf freue, ist die dritte Aufführung, die des «Boléro». Immer schon wollte ich eine Aufführung dieses Epoche machenden, monumentalen Stücks sehen – heute habe ich die Gelegenheit dazu! Und, was soll ich sagen? Wenn Sie das jetzt lesen, möchte ich, dass Sie wissen, dass mich in meiner Interpretation des Gesehenen die Musik beeinflusst hat, und das mehr als nur am Rande. Die «Geschichte», wenn man eine solche herauslesen kann: Eine Gruppe junger Frauen und Männer treffen nach und nach an einem Orte ein, in der offensichtlichen Erwartung von irgendetwas. Sie spähen danach, in den Zuschauerraum hinein. Als es zunächst nicht eintrifft, zeigen sie sich enttäuscht. Doch dann setzt die Musik ein und sie freuen sich darüber, beginnen zu tanzen. Zu den Klängen der Variationen der verschiedenen Instrumente und dem spannungsgeladenen Crescendo des Stückes bieten die Tänzer eine Akkumulation dessen, was wir bislang erleben durften. Ausgefallene Choreografien und lauernde Akteure führen – auch choreographisch – durch Höhen und Tiefen und bauen die Spannung so lange auf, bis diese zeitgleich mit Ravels Glissandi spielenden Posaunen und dem dissonanten Des-Dur am Schluss endlich – und unendlich – in sich zusammenfällt, sich auflöst – eine Szenerie, als hätte es sie nie gegeben.
Was Ravel dazu gesagt hätte, weiß ich nicht. Ich kann mich meiner Tränen jedenfalls seit einigen Minuten nicht mehr erwehren, und das wegen seiner Komposition. Dazu habe ich eine perfekte Inszenierung gesehen und darf mich, wohl anzunehmenderweise auch im Namen des Regisseurs, bei demjenigen bedanken, der uns diese Aufführung ermöglicht hat: Danke, Maurice, dass es Dich gab!
Erst auf der Straße fängt mich das Hier und Jetzt ein, hat das Leben fernab der Bühne mich wieder. An einer Straßenecke, ein paar Blocks weiter, dann die ersten Worte, die ich vernehme: Vor einem türkischen Imbiss eine Gruppe Männer. «Wir sind gezwungen, unser Geld in Zukunft woanders zu waschen», heißt es, ebenso gebrochen wie gewählt. Sieh an, willkommen in der Realität. Jetzt noch zum Bahnhof, 25 Minuten warten, zwei Stunden mit dem ICE, um kurz vor drei daheim. So weit weg diese Bühne, deren Erlebnisse mir in den nächsten Tagen noch so nah sein werden, der Welt so fern.

Ein volles Haus in Bielefeld – das sieht man gerne. Sowohl als Tänzer als auch als Veranstalter. Die Sitzplätze sind hier nummeriert und schnell finde ich meinen Platz. Erste Reihe Nummer 17 mit einer sehr guten Sicht auf die Bühne. Diese ist bereits mit Rosenköpfen überdeckt. Am Ende der Bühne steht ein Sofa, ebenfalls in rot. Da weiß man gleich um was es an diesem Abend gehen wird. Die Liebe. Tänzerisch ausgedrückt mit all ihren Sinnen. Begehren, Verlangen, Sinnlichkeit, all das was jeder kennt der schon einmal wirklich geliebt und gelitten hat. Ausdrucksstarke Körper zeigen Emotionen und glühende Erotik ebenso wie Theatralik und Leiden. Das teilweise doch sehr freizügige Stück ist sicher nichts für prüde Zuschauer. In Bielefeld war man einfach nur begeistert von Choreografie, den ausdrucksstarken Tänzer sowie ihrer Leistungen. Auch ich war sehr beeindruckt. Jedoch bin ich der Meinung, dass die 40 minütige Darbietung nicht in Relation zu meiner fünfstündigen Zugfahrt stand.

Mit der Sitzung «Quo Vadis, Ungarn?» in Dortmund ging das Diskussionspotential innerhalb der SCENE:Ungarn –Veranstaltungen in eine neue Runde. Es ging allerdings weniger wie im Titel darum, welchen Weg das Land gehen soll oder wird, sondern vielmehr darum, wie der Wahlsieg der «Fidesz» zustande gekommen ist.
Der erst knapp 30-jährige Deutsch-Ungar Gergely Kispál, seines Zeichens Abgeordneter und eines der Gründungsmitglieder der jungen (seit 2009 als Partei existenten), «grünen» Partei «LMP» («Lehet Más a Politika» – «Es kann eine andere Politik geben»), Kandidat für das Bezirksbürgermeisteramtes des VIII. Bezirkes in Budapest und Leiter der Politikredaktion der deutschsprachigen «Budapester Zeitung», stellte den rund 25 Interessierten politische Fakten seit 1989 vor: Welche Partei kam bei welcher Wahl auf wie viel Prozent der Wählerstimmen? Wer waren die Ministerpräsidenten? Aus welchem Umfeld, welchem Berufsfeld kamen sie ursprünglich? Und wie funktioniert überhaupt das ungarische – von Außen als kompliziert angesehene – ungarische Wahlsystem?
Trockene, politische Fakten, charmant und nicht ohne Wortwitz verpackt, anhand von Kuchendiagrammen gezeigt, via beamer visualisiert und akzentfrei verbalisiert – Kispál überzeugte, ohne dabei zu viel Werbung für seine eigene Partei zu machen. Sicher, man hätte den «Fidesz» -Wahlsieg und eine – davon übrigens völlig unabhängige – Erstarkung der rechten Partei «Jobbik» («Die Besseren») auch unter ganz anderen Gesichtspunkten beleuchten können. Nämlich zum Beispiel derart, dass man nicht bloß an die am 26. Mail 2006 gehaltene «Rede von Balatonöszöd» des ehemaligen Ministerpräsidenten Ferenc Gyurcsány erinnert – in dieser jener bewiesenermaßen zu seinem Regierungsstab gesagt hatte, sie alle (die Regierungspolitiker) hätten «gestohlen und gelogen, den ganzen Tag und die ganze Nacht», und Ungarn als ein «Scheiß Hurenland» (schwer übersetzbar) betitelte. Sondern auch darauf einzugehen, dass Gyurcsánys Worte gerade einmal annähernd die Fülle der politischen Korruption, der Anhäufung von oft unnötigen Privatisierungen und eine ganze Reihe weiterer dunkler Machenschaften widerspiegelten. Kein Wunder also, dass es massenhaft ungarische Wähler gab, die sich von ihrer Regierung um ihr Wahlversprechen und ihrer Moral dem Land gegenüber betrogen sahen, was dann in den bekannten Ausschreitungen mündete, welche besonders aus der Tatsache resultierten, dass Gyurcsány Demonstrationen jeglicher Art – somit also das Gut freier Meinungsäußerung – unter Haftstrafe verboten hatte und die Polizei anwies, mit aller Macht gegen die Demonstranten vorzugehen. Allesamt sind dies Missstände, die von der westlichen Presse aus unerklärlichen Gründen nur kurz tangiert, und wenn überhaupt, dann nur sehr einseitig übermittelt wurden – dabei mag man meinen, dass die geographische Nähe Ungarns und seine Jahrhunderte währende politische, wie Handelsbeziehung zu Deutschland zuließe, sich hier etwas breiter gefächert zu äußern. Aber ebenso unzureichend wurde ja auch 2002 über das Donauhochwasser und das Wahlergebnis 2009 und 2010 berichtet. Ach ja, gerade dieses Jahr gab es noch ein Hochwasser, kein geringes, keine anderthalb Monate her. Tote, Obdachlose, Infrastrukturzusammenbruch, Beschädigung des Weltkulturerbes Pécs, Seuchengefahr. Wussten SIE davon?
Genug der Verärgerung über die westliche Berichterstattung. Ein sympathischer Gergely Kispál hielt eine politische Lehrstunde, um immerhin ein wenig Abhilfe zu schaffen in diesem Missverhältnis der Presse gegenüber ihrer Themenauswahl. Dass die anschließende, einstündige Diskussionsrunde trotz der überschaubaren Anzahl der Teilnehmer zu keinem befriedigenden Ergebnis kommen konnte, war abzusehen und bei der Fülle des Bedarfs verständlich. Für politisch Interessierte mit ungarischem Direktbezug sicherlich ungleich interessanter als für Hinzugekommene, in jedem Fall jedoch ein sehr guter und sinnvoller SCENE –Programmpunkt. Danke, Frau Wiebe!

Gespannt waren wir wohl alle auf die Eröffnung der Ausstellung «Private Landscapes», die Mitarbeiter des Kultursekretariats, der Agentur Barbarella in Köln und die Angehörigen und Freunde. Seit langem begleiten uns manche der hier ausgestellten Fotografien auf der SCENE:Ungarn –Webpräsenz, den Plakaten und in den Begleitbüchlein. Jetzt ist es endlich so weit und man kann die Fotografien besichtigen.
Am Freitag gab es eine Pressekonferenz, bei der sich einige der jungen, zumeist aus Budapest stammenden Künstler vorstellten. Eine ganze Stunde hatten sie, um den etwa 60 Besuchern etwas über ihre Werke zu erzählen. Die Quintessenz, die man aus dieser Stunde ziehen kann: Freude darüber, dass die Werke ausgestellt werden, noch dazu in diesem Rahmen. Freude, persönlich eingeladen worden zu sein. Eine gewisse Aufregung. Gebrochenes Englisch, sympathisch zwar, doch auf längere Sicht etwas zermürbend, da aufgrund von fehlenden Vokabeln oft der Abschluss fehlte. Hier wäre ein ungarisch-deutscher Dolmetscher nicht zeitintensiv, sondern schlichtweg besser gewesen, auch für die Künstler.
Aber dann die Bilder: Serien zu meist drei, im Ausnahmefall sechs Bildern. Nicht an Budapest als Hauptstadt, als raumstrukturellen und politisch-geschichtlichen Diskurs gebunden, dennoch unterschwellig – für Ungarn-Kenner offensichtlich – mit dem Land und dessen Tradition verwoben. So zum Beispiel Alexandra Emese Lázár und Sári Ember, die in ihren Bildern die Tiefebene, die Donau oder das Verlorensein Einzelner in ihrer (Natur)Umgebung zeigen – oder diese zumindest damit konnotieren. Bálint Rádoczy portraitiert in einfühlsamen schwarz-weiß- Bildern die Kulturhauptstadt Pécs, wie man sie so nicht kennt. Hajnal Németh erinnert mit ihrem Tryptichon an eine junge Katharina Sieverding: Splitter und politische Plakativität in den Farben rot, schwarz und weiß – bis vor kurzem in größerer Serie bei der «C.A.R.2010» in Essen zu sehen. Ágnes Éva Molnárs Serie mit Selbstauslöser zeigt die Künstlerin in verschiedenen Situationen mit anderen Frauen und lässt, trotz einer – leider – gewissen Gestelltheit der Aufnahmen, ihre Auseinandersetzung mit der Genderthematik anklingen. Ebenfalls recht offensichtlich inszeniert zeigt sich auch die aus vier Arbeiten bestehende Serie von Donát Kékesi, «Comrade». Jedoch überzeugt hier die Auseinandersetzung des noch jungen Fotografen mit dem Sozialismus, den er, vom politischen Verständnis her, kaum bewusst wahrgenommen haben dürfte. So zeigt er sich als Vertreter jener jungen Generation, die zwar von Zeichen und Spuren der Vergangenheit umgeben ist, die die Räume aber neu füllt und die Zeichen neu setzt – wie offensiv die Spuren des Ostblocks gerade in der Hauptstadt palimpsestartig überschrieben werden, wird jedem schnell bewusst, der einen Fuß in die so genannten «Ostblockländer» setzt. So tauchen in Kékesis Bildern Aspekte der Vergangenheit ebenso auf, wie, zum Teil geschickt und nicht zu offensichtlich gezeigte «Botschafter» des Westens, der Konsumgesellschaft. Zwar wird auch bei ihm kaum klar, ob seine kritische Auseinandersetzung mit dem Thema nun eine wie auch immer geartete Prognose oder ein Resumé fällt – dennoch überzeugen die Bilder in Aufbau und Aussage.
Gleich zwei Fotografen beschäftigten sich wiederum mit den Spuren zweier Generationen vor ihnen: Anna Ildikó Pető zeigt Muster in der Wohnung ihrer Großeltern, wobei «Muster» hier sowohl die Formatierung der Bilder als auch den Bildinhalt meint: Die Universalität der Szenarien, wie sie in wohl jeder Wohnung älterer Herrschaften vorkommen, wird mit der Rahmung aufgehoben. Marcell Eszterházy zeigt die vergilbten Tapeten, das Sterbebett des Großvaters – kurz: Das, was nicht mehr da ist. Man kann zwar erahnen wo Bilder hingen, jedoch gehört dies bereits einer verloren gegangenen Zeit an. In einer Videoinstallation, der einzigen der Ausstellung, sehen wir den Großvater beim Mittagessen mit der Familie, im Zeitraffer. Ein bewegendes Dokument, wenn man die Vorgeschichte kennt und ein paar Minuten lang die Geschichte eines Angehörigen teilt, im Kontext nun nicht mehr so fremd, welcher in dieser doch recht intimen Situation gefilmt wurde, einsam anmutend, alleingelassen unter den anderen der Familie, seine Suppe schlürfend, kaum beachtet.
Für mich ein trauriger, zum Sinnieren bestimmter Abschluss. Es ist keine große Ausstellung, rein quantitativ. 34 Bilder und ein Video – das ist für neun Künstler nicht viel, gerade auch deshalb, weil noch so viel mehr Material da gewesen wäre. Dennoch, oder für einige Kunstfreunde mit etwas schlechterer Kondition gerade deswegen, kann ich jedem nur nahe legen, den Kunstverein am Grabbeplatz zu besuchen, gegenüber von der K20, die übrigens seit dem 10. Juli nach 2-jähriger Umbauzeit wieder neu eröffnet ist. Es ist eine wichtige Ausstellung, für den Kontext, die junge Kunst und die Kulturkorrespondenz. Noch bis zum 25. Juli, ab dem 29. Juli dann in der Stadthausgalerie Münster.

Die bislang eindrucksvollste Darbietung, die ich im Rahmen der Scene sehen durfte, haben mir die Akteure von «The Symptoms» beschert. Als letzten Gast, abgehetzt nach Köln Kalk, geleitete mich die Platzanweiserin durchs Dunkle der Schauspielhalle, gerade noch rechtzeitig zum Beginn von «Nothing There». Das Ensemble, bestehend aus je drei jungen Männern und Frauen, setzt den Inhalt des Stücks, der Wunschvorstellungen und Fürchten der Menschheit thematisiert, durch Tanzdarbietungen jeglicher Art um – und spielt zugleich minimalistisches Theater, das immer gekoppelt an Lichtspielen ist und vor allem mit Musik, die mich zeitweise ein wenig an David Lynchs Eraserhead («In Heaven, everything is fine»)erinnert, Gänsehaut erzeugt. Zusammengekauert auf dem Boden sitzt da beispielsweise ein Mann, auf dessen Rücken die Umrisse eines kleinen Schattenmannes zu erkennen sind. Der Schattenmann beginnt sich allmählich zu bewegen und zu wachsen. Als der Tänzer bemerkt was sich da auf seinem muskulösen Körper abspielt, scheint es fast schon zu spät der Übernahme seiner selbst durch die Dunkelheit noch entkommen zu können. Nur durch geschickte Bewegungen, «Nacheffen» der schemenhaften Gestalt, und der Flucht aus seinem Einwirkungsradius gelingt dies. Man fieberte richtig mit.
So wie dieses Bild wirkte hat Réka Szabó mit ihrem Team ein insgesamt einstündiges Werk geschaffen, dass nie langwierig wird, perfekt durch choreographiert ist – denn jeder Schritt muß nicht nur mit Ton, sondern auch mit Lichtprojektionen zusammenspielen – und geheimnisvoll, erheiternd und gruselig in ständiger abwechselnder Folge in den Bann zieht. Es Bedarf mir keinerlei Schönrednerei, wenn ich jedem Leser hier nahe lege, sich dieses Stück UNBEDINGT anzuschauen, sollte sich die Gelegenheit bieten.